Von Wien nach Sankt Petersburg: Die Geschichte der österreichischen Ballerina Prisca Zeisel

An der Schule der Wiener Staatsoper war Galina Skuratowa ihre Lehrerin, an der Bayerischen Staatsoper wurde sie von Jana Serebrjakowa unterrichtet. So wurde der künftige Star von der russischen Balletttradition geprägt. 2016 lud Igor Selenski, damals Künstlerischer Leiter des Bayerischen Staatsballetts in München, Prisca Zeisel ein, führende Rollen zu übernehmen.

Seit September 2023 ist sie Primaballerina des Michailowski-Theaters in Sankt Petersburg.

— Prisca, Sie leben inzwischen seit drei Jahren in St. Petersburg. Hatten Sie die Gelegenheit, auch in anderen russischen Städten zu gastieren?

— Ja, ich war in Moskau und in Nowosibirsk. Es ist immer interessant, zu reisen und verschiedene Orte kennenzulernen. Allerdings haben wir bei Gastspielen nicht allzu viel Zeit, um uns die Stadt anzusehen.

— Ich würde gerne verstehen, was sich für Sie beruflich verändert hat – abgesehen vom Alltag und der neuen geografischen Umgebung.

— Durch die Arbeit mit russischen Ballettpädagogen und die Mitwirkung an Inszenierungen auf russischen Bühnen hat sich meine Art zu tanzen verändert. In der russischen Balletttradition wird mehr Wert auf die Plastizität der Bewegungen, die Mimik und die emotionale Ausdruckskraft gelegt. Es ist einfach eine andere Art zu arbeiten, wenn man eine Rolle während des Tanzes mit der Seele durchlebt. Es fällt mir schwer zu erklären, wie das geschieht, aber im Tanz selbst ist es gar nicht so schwer. Ich spüre, dass ich nicht einfach eine vorgegebene Choreografie und bestimmte technische Schritte ausführe. Von innen heraus kommt eine Art Wahrheit, und ich möchte meine Seele öffnen und meine Emotionen mit den Menschen teilen: Schaut! Die Sprache des Balletts ist der Tanz. Und überall auf der Welt ist es wichtig, so zu tanzen, dass man die Schönheit, die in der Kunst des Balletts liegt, in die Welt trägt.

— Zu Ihrem aktuellen Repertoire gehören „Schwanensee“, „Der Nussknacker“ und „Dornröschen“ – alles Ballette von Tschaikowski. Interpretieren Sie diese klassischen Figuren auf Ihre eigene Weise, bringen Sie etwas Eigenes in das Idealbild ein?

— Ja, ich denke, dass man jeder Figur etwas Persönliches verleihen muss. Ich betrete die Bühne in dem jeweiligen Stück als Ballerina Prisca Zeisel, aber ich möchte dort nicht einfach Prisca zeigen, sondern meine Figur. Aber letztlich ist diejenige, die tanzt, natürlich ich! Und gleichzeitig entdecke und empfinde ich jeden Tag etwas Neues – und betrete die Bühne mit dem, was ich an diesem Tag mitbringe: meinen Gedanken, meiner Stimmung und meinen Emotionen. Ich halte das für sehr wichtig. Odile zum Beispiel tanze ich heute nicht so wie gestern: Die Figur bekommt eine andere Nuance, weil ich am vergangenen Tag etwas erlebt habe, etwas in mir widerhallte … Du veränderst dich – und die Heldin verändert sich mit dir.

Und es ist ebenfalls wichtig zu verstehen, dass eine Aufführung etwas Lebendiges ist! Sie hängt nicht nur von mir ab, sondern auch von meinem Partner – davon, wie er seinen Siegfried an diesem Abend empfindet. Vielleicht ist er heute psychologisch nicht so dramatisch wie beim letzten Mal? Dann braucht es einen anderen emotionalen Austausch, und ich muss anders auf diese Veränderung reagieren … Genau das macht jede Aufführung interessant.

Natürlich gibt es eine Handlung und konkrete Wesenszüge der Figur, und man muss dem Publikum eine Geschichte erzählen, die man nicht verändern kann – ganz gleich, ob es sich um „Der Nussknacker“, „Dornröschen“ oder „Schwanensee“ handelt.

— Sie haben auch schon vor Ihrem Umzug nach Russland in Tschaikowskis Balletten getanzt. Wie empfinden Sie seine Musik heute?

— Tschaikowskis Musik ist so genial, dass man gar nicht anders kann, als sie zu fühlen und durch sich hindurchgehen zu lassen. Für mich ist sie etwas sehr Persönliches. Besonders das Weiße Adagio aus „Schwanensee“. Ich kann nur schwer sagen, ob sich meine Wahrnehmung von Tschaikowskis Werken heute verändert hat. Aber wissen Sie, inzwischen klingt diese Musik für mich anders.

— Um die Figur der Hauptheldin in „Schwanensee“ zu entwickeln, beobachteten sowohl Anna Pawlowa als auch Galina Ulanowa und Maja Plissezkaja Schwäne – ihre Bewegungen und ihre Körpersprache. Hatten Sie Schwierigkeiten, diese Figur für sich zu finden?

— Ja. Ich denke, gerade bei „Schwanensee“ hat jede Ballerina immer wieder Zweifel. Es ist eine ewige Suche. Erstens ist dieses Ballett auf der ganzen Welt bekannt. Zweitens ist es für eine Ballerina ein sehr wichtiger professioneller Schritt. Heute gibt es viele Ballerinen, die die Rollen der Odette und Odile hervorragend tanzen. Und jeder weiß: „Schwanensee“ darf man nicht schlecht tanzen – das wäre unverzeihlich! Und wir Balletttänzer verlangen von uns selbst sehr viel und sind immer äußerst streng mit uns. Bei diesem Ballett ganz besonders.

Es ist eine große Verantwortung für jeden Tänzer, denn es handelt sich um hohe Klassik. Ich glaube nicht, dass es Ballerinen gibt, die nach einer Vorstellung wirklich mit sich zufrieden sind, selbst wenn sie alles richtig getanzt haben. Ich denke zum Beispiel nur selten: „Oh, heute war es gut!“ Dieses Ballett ist so anspruchsvoll, dass man sein ganzes Leben daran arbeiten kann und trotzdem nie zufrieden sein wird. Wahrscheinlich könnte man alle meine Kolleginnen fragen – ich glaube, sie würden dasselbe sagen …

Ulanowa und Plissezkaja haben Schwäne beobachtet, und wir tun das ebenfalls. Aber wir haben heute noch einen großen Vorteil und ein echtes Vergnügen: Wir können Aufzeichnungen dieser großen Ballerinen anschauen und sehen, wie sie dieses Ballett getanzt haben …

— Spüren Sie während der Vorstellung auf der Bühne den Kontakt zum Publikum, die Energie im Saal?

— Ja! Das ist sehr wichtig! Natürlich spürt man diesen Austausch, aber es ist jedes Mal anders. An einem Abend nimmt das Publikum die Vorstellung ganz ruhig auf: Es gefällt uns, alles ist gut. Ein anderes Mal spürt man, dass die Zuschauer während der gesamten Vorstellung angespannt sind und erst am Ende in einen Applaus ausbrechen. Das sind ganz andere Reaktionen des Publikums als zum Beispiel in Deutschland. Dort wird eine Vorstellung ruhiger aufgenommen. Natürlich können die Zuschauer ebenfalls mit den Künstlern mitfiebern, aber nach der Vorstellung gehen sie sofort auseinander, ohne noch lange zu bleiben.

Als ich gerade erst nach Russland gekommen war, hat mich einmal etwas sehr überrascht: Man sagte meinem Partner und mir, dass wir uns nach der Variation verbeugen und dann die Bühne verlassen sollten. Wir tanzten, und mein Partner wollte sich bereits hinter die Bühne begeben, um keine Pause entstehen zu lassen – doch das Publikum ließ uns nicht gehen! Die Verbeugung dauerte sehr lange. So etwas hatte ich im Westen früher nie erlebt. Ich hatte dort auch nicht immer das Bedürfnis, mit dem Publikum in Kontakt zu treten. Hier passiert mir das sehr oft …

— Sie sehen also einen Unterschied im Umgang mit Kultur im Westen und in Russland?

— Ja, natürlich. Dort ist das Leben anders. Zum Beispiel gibt es an jedem Theater deutlich weniger Inszenierungen. Und ein Stück kann nur für zwei Monate in den Spielplan aufgenommen werden. Zwar gibt es auch Ballette im Repertoire der Theater, aber es ist nicht dieselbe tief verwurzelte Kultur wie bei uns in Russland.

Das vollständige Interview können Sie auf dem Portal „Russki Mir“ auf Russisch lesen.